Statement

Trabajo con sistemas que interpretan realidades y las ponen a disposición del observador. Cada obra se construye a partir de una estructura generativa —líneas, nodos y campos de flujo que organizan la superficie hasta que el sistema mismo se vuelve lenguaje. Ese lenguaje es la constante: a través de las obras, de las series y de los materiales, siempre se reconoce al mismo artista.

A medida que estos sistemas se intensifican, dejan de leerse como puro orden y comienzan a producir desorientación, obligando al ojo a desplazarse y reconfigurar continuamente su recorrido. El relieve no es decorativo: es un lenguaje. La obra se activa en relación con la luz del entorno, que modifica el brillo, la profundidad y el color de la superficie a lo largo del día. La veta de la madera y los grabados responden a esa variación, generando una experiencia inestable donde la percepción nunca es fija.

Mi práctica actual se desarrolla en dos cuerpos principales de investigación. El primero parte de la cimática —el estudio de cómo la materia responde a la frecuencia— traduciendo la lógica vibracional en topografías grabadas. El segundo se orienta hacia el arquetipo. Ahí ocurre algo inesperado: a medida que los sistemas se vuelven más densos y complejos, empiezan a aparecer figuras. Símbolos. Algo más sagrado, más trascendental. La lógica generativa, llevada lo suficientemente lejos, deja de ser geometría abstracta y empieza a cargar el peso de lo primordial —rostros, organismos, patrones que se sienten más antiguos que su propia ejecución. No está planeado. Se descubre.

Una tercera línea toma referencias de las tradiciones visuales precolombinas e hindúes —no como cita directa sino como forma de pensar la estructura: cómo la repetición, la simetría y el patrón pueden codificar sentido sin volverse ilustración.

Las tres son abstractas. Las tres comparten el mismo lenguaje. Lo que cambia es la realidad que se interpreta.

El color entró recientemente en la obra —pastel de óleo aplicado directamente sobre la madera grabada, una práctica que desarrollé durante una residencia en Francia donde, sin acceso a mis herramientas habituales, trabajé exclusivamente desde la pintura. Esa experiencia me enseñó algo sobre el color como capa viva: no aplicado sobre la estructura, sino viviendo dentro de ella, llevado a mano hacia los canales grabados. Lo pintado y lo tallado se vuelven inseparables.

Trabajo principalmente en madera, utilizando procesos digitales y fabricación en taller para construir sistemas precisos que luego se tensionan con la materialidad. Me interesa ese punto donde el control estructural convive con pequeñas desviaciones, irregularidades y pérdidas de definición —donde el sistema empieza a respirar.

Busco construir experiencias donde el orden se intensifica hasta volverse inestable, llevando la percepción desde la claridad hacia la desorientación y, finalmente, hacia un estado de silencio.

I work with systems that interpret realities and make them available to the observer. Each work is built from a generative structure — lines, nodes, and flow fields that organize the surface until the system itself becomes the language. That language is the constant: across works, across series, across materials, the same artist is always recognizable.

As these systems intensify, they stop reading as pure order and begin producing disorientation, forcing the eye to continuously shift and reconfigure its path. Relief is not decorative: it is a language. The work activates in relation to ambient light, which modifies the brightness, depth, and color of the surface throughout the day. The wood grain and the engravings respond to these variations, generating an unstable experience where perception is never fixed.

My current practice develops along two main bodies of research. The first draws from cymatics — the study of how matter responds to frequency — translating vibrational logic into carved topographies. The second moves toward archetype. Here, something unexpected occurs: as the systems become denser and more complex, figures begin to emerge. Symbols. Something more sacred, more transcendental. The generative logic, pushed far enough, stops being abstract geometry and starts carrying the weight of the primordial — faces, organisms, patterns that feel older than their own making. This is not planned. It is discovered.

A third line draws from pre-Columbian and Hindu visual traditions — not as quotation but as structural thinking: how repetition, symmetry, and pattern can encode meaning without becoming illustration.

All three are abstract. All three share the same language. What changes is the reality being interpreted.

Color has recently entered the work — oil pastel applied directly onto the engraved wood, a practice developed during a residency in France where, without access to my usual tools, I worked exclusively through painting. That experience taught me something about color as a living layer: not laid over the structure, but living inside it, pulled into the engraved channels by hand. The painted and the carved become inseparable.

I work primarily in wood, using digital processes and workshop fabrication to build precise systems that are then tensioned through materiality. I am interested in the point where structural control coexists with small deviations, irregularities, and losses of definition — where the system begins to breathe.

I aim to construct experiences where order intensifies until it becomes unstable, leading perception from clarity into disorientation and, ultimately, into a state of silence.